여기에 작가는 한 가지 맥락과 당위성을 담았다. 바로 ‘수행성’. 미국에서 처음 유리 조각으로 작업하기 시작했을 때 작가는 직접 그것을 쓸어 모아 씻고 구분하는 작업을 거쳤다고 한다. 그렇게 완성한 작품만이 아니라 이러한 일련의 과정을 ‘퍼포먼스’로 상정, 그 자체가

작품의 중요한 부분이 된다. 수행적 과정을 통해 작가는 자신을 정제하고 또 정제했다. 마치 쓸모 있는 유리 조각을 거르듯이 자신의

몸과 마음가짐을 가다듬은 것이다.

이러한 작업 방식은 그녀의 작품이 ‘과정 미술(process art)’로 읽힐 수 있는 단초를 제공했다. 오랜 유학 생활을 마치고 2011년

귀국하기 전까지 뉴욕 미술 신에서 주로 활동한 그녀는 어떻게 보면 기본 재료를 가지고 긴 호흡의 작업을 하는 작가였다. 뉴욕

현대미술관 PS1, 뉴욕 국립아카데미미술관, 오니시 갤러리, 러시 아츠 갤러리, 두산갤러리 뉴욕 등에서 열린 전시를 통해 뉴욕 미술계는 그녀를 추상적 작품을 선보이는 젊은 예술가로, 비록 다른 표현 방식에 뿌리를 두고 있지만 그 자체로 충분히 추상예술과 궤를 같이한다고 해석했다.

그런데 한국에 오면서 그녀의 작품에 대한 해석은 그 궤도를 조금 달리하기 시작했다. 작품을 구성하는 유리를 구하는 곳이 달라진 것이 큰 요인으로 작용했다. 같은 유리 작업임에도 작업 과정의 중요한 퍼포먼스에서 그 힘을 잃어버린 것과 다름없었기 때문이다.

더불어 한국에서는 그녀의 작품에 깃든 과정 하나하나에 집중하기보다는 마지막으로 완성된 모습, 외형에 초점을 맞춰 평가했다. 주로 ‘한국적 미’와 관련이 있었는데, 백자나 청자와 같은 작품이라는 평에 대해 작가는 그동안 자신이 생각한 작업적 특성과는 완전히 다른 감상평을 받았기에 초반에는 적지 않이 놀랐다고 한다. 그런데도 작가는 자신의 예술적 언어를 계속 발전시켰다.